Esteban de Blois

Maud The Moth. El cabaret de la oruga

In Música on agosto 19, 2011 at 7:16 pm


He aquí el enésimo blog, seguro que no el definitivo. Antes fueron otros; ahora este. Canciones, libros, política, medios de comunicación y más (esta vez no pongo demasiados límites), aunque probablemente todo tendrá banda sonora.

Tenía ganas de escribir e intentaré hacerlo con regularidad, aunque para empezar he optado por saltarme la dictadura del espacio en prensa para transcribir de forma íntegra una entrevista con Maud The Moth que en su versión en papel tendrá 25 líneas. El disco de Amaya López-C ha sido una de las mejores sorpresas de estos últimos meses; lejos de los grandes lanzamientos, del hype de turno, pero con una honestidad brutal en ese desarraigo cabaretero que domina en este “Home futile home” que se puede descargar desde su página en bandcamp, recorriendo un camino imposible entre Tool y Fiona Apple. Podría haber empezado con otro post que quizá sirviese de forma más efectiva como presentación, pero tiempo habrá para hablar y escribir largo y tendido (o no, claro). Hasta la próxima.

¿Cuándo, cómo, por qué Maud The Moth?

La idea en sí no tiene un principio como tal, sino que es más bien un largo proceso de metamorfosis. Siempre ha estado ahí, desde pequeña, la necesidad de expresión, de componer y de crear un mundo en el que las cosas tuviesen sentido para mí, bien a través de la música o de cualquier otro medio. Maud The Moth, como lo que es hoy en día, aunque llevase años fraguándose, podría decirse que comenzó a caminar cual oruga de árbol tras dejar mi antiguo grupo. Las ganas de tocar y componer, y sobre todo la independencia a la hora de decidir aprovechar oportunidades para tocar y dedicarle tiempo son más fáciles en la dictadura unipersonal que en una democracia grupal, así que decidí hacer algo que yo pudiese manejar, sin comprometer a nadie, hacer las canciones como yo las veía, y de ahí buscar una respuesta que me llevase bien a quedarme en casa tocando o compartirlo con otros y formar algo más completo.

 ¿Qué queda de tu paso por grupos tan aparentemente alejados de este proyecto comoThiside?

Aparte de que son una pequeña familia para mí, Thiside fue, tras varias experiencias negativas, un sitio donde podía expresarme con libertad y entender lo que era “ser un grupo”, para lo bueno y para lo malo. Es importante tener esa confianza y alcanzar ese nivel de piña cuando te subes a un escenario. Saber que aunque tú estés delante físicamente, todos estamos luchando por lo mismo. Tener un grupo en España, sobre todo si es de rock, y hacer giras-cochambre te curte como una misión vietnamita, y te fortalece a la hora de tocar y de luchar por lo que quieres. Cuando ahora toco, lo noto en las tablas, en que me afectan menos las críticas. Sé qué es lo que hago y por qué lo hago, y la inseguridad escénica voraz de antaño sólo asoma las orejas de vez en cuando.

¿Es éste tu proyecto más exigente hasta la fecha?

El término “exigente” es relativo. Teniendo en cuenta que este disco lo he compuesto entero yo, y que en directo toco y canto, pues sí, es más exigente desde un punto de vista compositivo y de concentración a la hora de actuar. También hay una evolución como músico, y he ido probando cosas nuevas para mí. Sin embargo, cuando estás en un grupo y tienes que sonar por encima del combo-kit clásico, es difícil hacerlo no usando un registro medio-alto casi continuamente. Además, el hecho de sacar líneas para los temas de composición democrática también es bastante más desquiciante que hacerlo todo tú.

Aunque en directo tocas a veces en formato banda, ¿Maud The Moth es un proyecto unipersonal?

Mi intención con Maud The Moth era crear algo que atrajese a otras personas a pertenecer a ello. No era algo que buscase desesperadamente, pero quería conseguir que funcionase como una cebolla, y que las capas aportasen al estar, pero sin que el núcleo perdiese su significado. Mi intención era que los problemas logísticos no fuesen un impedimento a la hora de tocar (sobre todo en sitios pequeños, o fuera de Madrid) y poder también conservar la desnudez y crudeza que tiene el tocar en directo sola.

En cuanto a la grabación, este primer disco ha sido unipersonal por limitación, más que por decisión propia, ya que a la hora de grabar no hay límite a la hora de meter capas y más capas, y quedó más desnudo de lo que yo pretendía en un principio. Aun así conseguí que varias personas me ayudasen con aquello que yo no sabía tocar (Rob Green, David Blanco, Cecilia Tallo y Pablo Pulido me ayudaron grabando baterías, bajos, efectos de guitarras o aportando arreglos de cosecha propia) y la situación actual se asemeja más a la de un grupo incipiente. Esto me hace sentir muy feliz e ilusionada, tengo suerte de haber encontrado gente con mucho talento a mi lado y cuyas ideas encajan con las mías, que hagan que esto cada vez sea menos unipersonal.

¿El soul y el jazz han supuesto una influencia importante en estas canciones?

Al principio era solo una influencia vocal. Mahalia Jackson, Ella, Aretha y más, pero desde que empecé a desarrollar líneas instrumentales con el piano, para tocarlas en directo y no solo para componer, he practicado cada vez más y me he fijado más atentamente en pianistas como Brad Mehldau, Esbjörn Svensson y Michel Camilo. Salvando las distancias, claro…

¿Tenías claro desde el principio que tu música tendría el aire de cabaret que aparece en muchos momentos de este disco?

La verdad es que nunca he buscado reproducir ningún estilo, sino expresar ideas o emociones. Cuando se percibe una tendencia reconocible, creo que es más bien debido a las inevitables influencias que a algo buscado intencionadamente. Creo que aún no he alcanzado la maestría necesaria para controlar el resultado final de una canción, y me conformo con que al oírla me evoque lo que la originó. Este disco trata, conceptualmente, sobre la búsqueda del hogar y del desarraigo a veces desde un punto de vista tragicómico, lo que es algo bastante cabaretesco, así que supongo que me doy por satisfecha si se percibe eso.

A la hora de componer, ¿partes del piano, la guitarra o es la voz la que manda desde el principio?

No soy una persona muy organizada ni metódica, funciono más bien de forma instintiva y a la hora de componer todo vale, desde el ritmo de algo que escucho por la calle hasta algo que he escrito y acabo convirtiendo en una canción. Pocas veces hago las canciones del tirón, al igual que pocas veces repito partes estructuralmente dentro de estas. Mi proceso compositivo es más bien una ensalada de técnicas artesanales combinadas sin un criterio fijo.

Entre las influencias de las que se habla en la promo están Tool o NIN, ¿qué hay de ellos en Maud The Moth?

A primera vista supongo que no es obvio, pero algo que me costó entender y aplicar fue trascender los estilos. Cuando redescubrí el piano como instrumento fue porque entendí que no necesariamente debía asociarlo a la música que había tocado con él toda la vida. Me había pasado a la guitarra porque pensaba que no se podía transmitir fuerza o rabia con un instrumento acústico. Ahora me parece muy obvio, pero hace años no lo veía así, y lo que me atrae de grupos como Tool o NIN no sólo está en el medio, sino sobre todo en el contenido de su música y sus letras. Me gusta buscar la agresividad y la tensión a través de la sutileza y la insinuación y estos dos grupos logran esos efectos independientemente de que toquen en acústico o enchufados.

¿Dirías que hay un cierto barroquismo en tu música?

Siempre tiendo a complicarme la vida y la música no es una excepción. Sé que la manía de superponer capas y de enrevesar estructuras no es algo que juegue a mi favor generalmente, pero forma parte de mi personalidad y supongo que es imposible evitarlo.

¿En Maud The Moth buscas un cierto equilibrio interno entre intensidad y fragilidad? (p.ej. en temas como “Ford suite”)

Eso procuro… Para mi las canciones son pequeñas historias, reales, y como todo lo real, nunca es extremo, sino que está plagado de matices que dependen del ángulo con el que se mire. Los personajes evolucionan y nunca son puramente fuertes o débiles, sino que ambos aspectos coexisten en todo el mundo en una frágil simbiosis.

¿Cuáles son los proyectos con Maud The Moth a corto / medio plazo?

Aunque inicialmente “Home futile Home” salió en formato web y está colgado en bandcamp con posibilidad de descarga gratuita, la idea es autoeditarlo físicamente. Además haremos un concierto de presentación como trío en Madrid en octubre. Aparte de esto, nos movemos bastante e intentamos participar en todo lo que podemos. La reacción de la gente está siendo muy buena y estamos ultramotivados a tocar donde sea. Yo soy de las que se apunta por libre al SXSW y a todo lo que caiga en mi bandeja de entrada. Tocar es lo que más me gusta hacer en el mundo, así que para mí, una vida perfecta incluye tocar todos los fines de semana.

¿Qué se puede avanzar de ese espectáculo inspirado por Wim Vandekeybus y la obra visual de David Lynch?

Hace poco más de un año conocí a unas personas que usaron una canción mía para coreografiar una prueba de acceso al conservatorio de danza y comencé a trabajar con ellas con la idea de montar un pequeño “ballet” de danza contemporánea en torno al disco. A Wim Vandekeybus me lo descubrieron ellas, y cuando lo vi en directo fue increíble. Hacía años que nada me impactaba tanto. En directo estaba tocando el trío de Mauro Pawlowski y estuve semanas dándole vueltas a cómo hacer algo que se acercase sin necesitar ese despliegue de medios. Al final la teoría de la cebolla apareció de nuevo: decidimos ir montando solos o pequeñas coreografías que ayudasen a reproducir el ambiente de intensidad, fragilidad, decadencia y excentricidad que he buscado plasmar en el disco, de forma que pudiesen ampliarse en el futuro, o suprimirse algunas partes. Es algo que jamás había hecho y me parece que todo encaja, a música ensalada; ensalada de disciplinas. En realidad es todo lo mismo, hay una escucha y una interpretación cantes, toques, o bailes. Todo es uno.

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